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💿 8/10

Mine

Killer

📅 04.09.2026

Dicht
Lichter aus
Einig
How
Bild von mir (feat. Eleo)
Dunkel Intro
Dunkel
Relativ
Bis einer weint
Killer
Oxytocin (feat. Lionstorm)
Gegen die Wand
Eattherich
Ohne Dich

Mine

Killer

Sie hat sich's verdient

"Comedyclips" nennt der SWR in einem Artikel die kurzen Videos, die Mine seit einigen Monaten erstellt und als Reels auf Instagram teilt. Darin lässt sie Originalausschnitte laufen, in denen prominente Männer misogyne und frauenverachtende Statements vom Stapel lassen, und spricht das Gesagte mit meist stoischer Miene synchron mit. Das Konzept ist so simpel wie genial und entlarvt, dass Alphamann-Ideologien nicht erst von Andrew Tate und Konsorten erfunden wurden. Die Videos beweisen außerdem, dass Mine sich nicht darauf beschränkt, Musik zu machen und nur in ihren Songtexten Ansichten zu Politik oder Gesellschaft zu teilen. Für ihr neues Album "Killer" sind die Clips die perfekte thematische Vorlage. Toxische Beziehungen und Gewalt sind der blutig-rote Faden des Albums, selten jedoch so explizit wie im Titeltrack: "Ich bin am Boden, Du bist über mir / Bitte erzähl mir nicht, wie es war", singt Mine und der Song entfaltet, getragen von Streichern und elektronischen Klängen, eine intensive Wucht. Die 40-Jährige ist eine Meisterin darin, Gefühle und seelische Konflikte einzufangen, ohne in die Kalenderspruch-Falle zu tappen. Es ist eigentlich ein Wahnsinn, dass Mine hierzulande nicht auf demselben Podest steht wie Raye oder Rosalía in ihren Heimatländern. Kaum ein Artist in diesen Gefilden ist so wandlungsfähig und kreativ und liefert seit Jahren auf ähnlich hohem Niveau ab. Mit "Killer" veröffentlicht die akribische Wahl-Berlinerin ihr stimmigstes Werk – so far. Das Album klingt wie das Destillat ihres bisherigen Schaffens: Der poetische Abgesang "Ohne Dich" erinnert an das Debüt, das unterkühlt-elektronische "Bild von mir" an "Das Ziel ist im Weg". Und bei "Dunkel intro" taucht ein imposanter Chor auf, der den Bogen zu "Danke, gut" vom 2024 erschienenen "Baum" schlägt. Beim so stimmungsvoll eingeleiteten Weltuntergangs-Track "Dunkel" stolpert der Gesang gekonnt am Beat vorbei und ahmt einen Leierkasten nach. Die häufig eingesetzten Stimmverzerrer und verfremdeten Vocals ergänzen die Inhalte, wie beim beklemmenden "Gegen die Wand". Eine Frau beschreibt, wie sie in ihrer Wohnung ausharrt, während vor der Tür der Ex-Partner wütet. Im Gegensatz dazu steht die Hyperpop-Nummer "Oxytocin", die ganz selbstbewusst sexuelle Selbstbestimmung ausformuliert: "Was ich von Dir haben will, ist Oxytocin / Du machst es gut und ich hab's mir verdient." Bereits im Dezember 2025 kündigte Mine an, dass sie nach ihrer nächsten Tour eine "kleine Pause" einlegen werde. Womit sie wohl die Auszeit füllen wird? Vielleicht reist sie um die Welt, wahlweise auf der Suche nach abgefahrenen Musikinstrumenten oder extravaganten Brillen? Oder sie feilt weiter an ihren Akrobatikkünsten, mit denen sie neuerdings bei ihren Live-Shows das Publikum in Staunen versetzt. Dass sie ins Comedy-Fach wechselt, darf an dieser Stelle aber wohl ausgeschlossen werden.

💿 8/10

Jonathan Bree

Don't call it love

📅 27.08.2026

Disappear
Chameleon (feat. Eloïse Labarbe-Lafon)
Game
Cloak and dagger
Confidant
Honey
Live to dance (feat. Princess Chelsea)
Medicine
This is me
Part-time lover (feat. Princess Chelsea)
Just like an angel
Savour my love (feat. Rachel Clarke)
Gun
Don't call it love (feat. Adah Dylan)
She was fun
Slow (feat. Princess Chelsea)
Little Miss No Name

Jonathan Bree

Don't call it love

Je t'aime? Moi non plus.

Preisfrage: Welches Instrument wird am ehesten mit dem Begriff "sleazy" in Verbindung gebracht? Mit so schwülstig-schwitzigen Fummelsongs? Genau, das Saxofon. Und zack, da isses – nach mundgestoppten 42 Sekunden des ersten Songs auf "Don’t call it love" des Neuseeländers Jonathan Bree. Und da hat der Hörer noch weitere fast 73 Minuten vor sich. Über 73 Minuten Sex? In unserem Alter? Wir sind doch nicht Tantra-Sting und seine Trudie! Was denkt sich dieser Mann ohne Gesicht bei so einem Doppelalbum? Und bei so einem Albumcover? Heutzutage! Aber es kann Entwarnung gegeben werden. Erstens ist "Disappear" trotz oder vielleicht sogar dank des schmierigen Saxofons ein ganz feiner Song. Und dann lassen sich diese ausufernden 17 Stücke auch ohne den sexbezogenen – und durchaus mit Augenzwinkern zu betrachtenden – Überbau als das genießen, was sie im Wesentlichen sind: cinematische, hervorragend arrangierte Popmusik. Jonathan Bree hat seinen musikalischen Ansatz über die bisherigen fünf Alben immer weiter entwickelt, bis hin zum bisherigen Höhepunkt "Pre-code Hollywood". Vom Kammerpop des Debüts ausgehend, wurden Instrumentierung, Songwriting und Sound immer üppiger und Brees ohrenstreichelnder Bariton immer kraftvoller in Szene gesetzt. Doch nun hat er neben der permanenten Verwandtschaft zu The Divine Comedy und The Magnetic Fields seine inneren Bryan Ferry, Simon Le Bon und Serge Gainsbourg so richtig gechannelt und ein Konzeptalbum rund um die in vielerlei Augen schönste (Neben-?)Sache der Welt geschaffen. Nein, nicht Fußball. Das fängt schon mit der ersten Vorabsingle "Live to dance" und deren filmischer Umsetzung an. Musikvideokenner haben sicher sofort das Vorbild erkannt: "The chauffeur" von Duran Duran. Nacktheit, schöne Menschen, Tanzen, kleine Killer-Story am Rande. Möglicherweise aufkommende Sexismusvorwürfe entkräftet der Künstler, indem er auf diesem Album bevorzugt mit Frauen zusammenarbeitet. Princess Chelsea, die schon früher mit ihm gearbeitet hat, singt neben eben genannter Single noch auf zwei weiteren Highlights – dem wunderschönen und von einem herrlichen Refrain gekrönten "Part-time lover" sowie dem episch zum Albumfinale hinschleichenden "Slow", welches die Film-Noir-Stimmung der Platte perfekt einfängt. Die weiteren Partnerinnen sind Brees Landsfrau Rachel Clarke auf dem nach hinten heraus immer mystischer klingenden "Savour my love", Eloïse Labarbe-Lafon als flüsterndes und minimalistisches "Chameleon" und die Französin Adah Dylan, die auf dem Titeltrack ganz klar unterscheidet: "Don’t call it love ... when we fuck." Gut, dass wir darüber gesprochen haben. Aber nicht nur die durchweg gelungenen Duette zünden, auch die übrigen Songs sind von durchweg starkem Songwriting. Vielseitige Sounds zwischen akustischen (mehr Gitarren als früher!), orchestralen, elektronischen und eher perkussiven Momenten. Am Ende steht ein doch keineswegs zu langer Genuss für alle Sinne. Wie in einer schicken, samtbemöbelten Bar, in der permanent "Twin Peaks" läuft. Aber Vorsicht, wenn das Personal beginnt, sich rückwärts zu bewegen!

💿 8/10

Chat Pile

Who loves the sun

📅 04.09.2026

Creature
Deep blue
Same rules
PEN I S MALL
Shrine
Intruder
Christabel '26
Influence
Family funeral
October all the time

Chat Pile

Who loves the sun

Auf die Fresse ist umsonst

Schön ist's in "God's country". Sollte sich dieses auch noch auf einer "Cool world" befinden, umso besser. Denn was gibt's Besseres als sich dekorativ ins Stadtbild einfügende Panzer am Straßenrand, labyrinthische Umspannwerke nahe grauer Bahnhöfe oder verschlammte Provinznester mit vermutlich mehr Blei im Boden als im Waffenschrank des Durchschnitts-Amerikaners? Keine Frage: Chat Pile gehen auf ihren dreckverkrusteten Platten, die Sludge, Noise-Rock und Industrial in streng riechender Hochzeit vereinen, auch visuell stets dahin, wo es schon lange nicht mehr wehtut – das röchelnde Verschnaufen mit Americana-Avantgardist Hayden Pedigo auf "In the earth again" mal vorsichtig ausgenommen. Und bellte Raygun Busch zu Beginn von "Cool world" barsch "I am dog now", möchte man fast gar nicht wissen, mit welcher "Creature" er nun dieses Album eröffnet. Dass "Who loves the sun" genauso heißt wie einer der flockigsten Songs von The Velvet Underground, kann dabei natürlich nur beißende Ironie sein. Auch wenn Busch im Opener zunächst mit einer erstaunlich dezenten Gesangsdarbietung verblüfft und ein neunminütiges, gegen Ende dröhnend in sich zusammenkrachendes Ungetüm wie "grimace_smoking_weed.jpg" erneut fehlt. Nach circa 90 Sekunden ist nämlich alles wieder beim Alten – siehe das aufgebrachte Gezeter und die beinahe locker schlackernden Indie-Rock-Anwandlungen von "Deep blue", die der Vierer aus Oklahoma City schon in Stücken wie "The mask" von der EP "Remove your skin please" oder "Shame" aufblitzen ließ. Und für alle, die unpassend angekumpelt zu werden fürchten, hat Busch die richtigen Worte parat: "Break my face and call me a friend." Auf die Fresse ist umsonst. Der Rest ist ruinöse Brotmaschinen-Musik vor abgefackelten Einöden – landschaftlich wie emotional. Einen zwingenden Groove in ihren sperrigen Songbrachen lassen sich Chat Pile trotzdem nicht nehmen. Freilich nicht im Sinne schluffigen Kopfwackelns, sondern mittels stählerner Unerbittlichkeit, die an die Frühphase der Industrial-Metaller Pitch Shifter gemahnt. Besonders wenn Drummer Cap'n Ron sein Spiel maschinell potenziert, was vor allem aus dem grandiosen "PEN I S MALL" ein hämisches Lattenmessen im Stil des "Infotainment?"-Highlights "Bloodsweatsaliva" aus dem Jahr 1996 macht. Eingerahmt vom düster-bassigen "Same rules" und dem Heiß-kalt-Getöse von "Shrine", wo Gitarrist Luther Manhole seinem Instrument neben drakonischen Hieben auch ungewohnt sphärische Riffs entlockt. Herrlich unwägbar – und symptomatisch für dieses Album. Denn auf "Who loves the sun" kann es genauso gut passieren, dass zu spitzfindigen Licks in das anfangs leidlich straighte "Intruder" weiblicher Background-Gesang platzt und sich das Stück zu einer Art Brüllsäusel-Psychedelia verpuppt. Auch das eingangs scheinbar handelsüblich durch den Schredder wandernde "Influence" gönnt sich verzögert einen triumphalen Mosh-Part und wühlt sich mit glühenden Stahlsaiten bis zum stichflammenartigen Verzweiflungs-Doom von "Family funeral" durch, den man glatt für einen Nachklapp der furchterregenden Kindstötungs-Moritat "Dallas beltway" halten könnte. Und ob sich Busch selbst glaubt, wenn er im verhuschten, nur diskret aufbegehrenden Finale "Everything will be fine / October all the time" versichert? Möglich, aber im Grunde auch egal: Dieses meisterhafte Bösewerk verbreitet zu jeder Jahreszeit gute schlechte Laune.

💿 7/10

Personal Trainer

Human assholes

📅 04.09.2026

Marvin's curtain up
Scrambled egg
Punch drunk love
Bone
Moping
Places!
The Burrows
Barely Guillaume
Hole
Human assholes
Rim shot / event horizon
Tempo
Tyres skid
Object permanence
Letter from the scentless realm

Personal Trainer

Human assholes

Warum in die Ferne schweifen?

Mal angenommen, man stünde so richtig auf ein anmachendes, dynamisches und abwechslungsreiches Amalgam aus unausgeschlafener Slackermusik und gitarrenbetontem (im Zweifelsfall gerne Akustik- gegenüber E-Gitarre im Vordergrund) Alternative Rock? Na, da würde man doch zunächst nach Großbritannien und in die Vereinigten Staaten von Amerika blicken. Jaja, alles nicht falsch – aber direkt hinter der deutschen Landesgrenze findet sich mit Personal Trainer tatsächlich eine Formation, die genau die genannten Genres mit massiver Spielfreude, stupender Originalität und noch dazu ausgereiftem Songwriting bedient. "Human assholes" ist das nunmehr dritte Album der Niederländer – und nachdem die ersten beiden Scheiben hier bisher durchgerutscht sind, soll nun aber wirklich mal eine Lanze für das Œuvre der Herren rund um Frontmann Willem Smit gebrochen werden. Denn: Diese 15 Tracks machen richtig, richtig Spaß! "Scrambled egg" und "The Burrows" zum Beispiel stolpern wie ein leicht trunkenes, zugleich perfektes Zwitterwesen aus Pavement, Dinosaur Jr. und Radiohead daher (vor allem "The Burrows" erinnert an "Karma police"), "Punch drunk love" überrascht mit kratziger Violine, bekifften Querflöten und reichlich überraschenden Akkordwechseln – und "Bone" ist dann die erste echte Überfliegernummer des Albums: Das könnte glatt der beste Song sein, den die Pixies nie geschrieben haben; Frank Black dürfte vor Neid erblassen. Anders als die vorgenannten Bands erlauben sich Personal Trainer aber auch reichlich Exkursionen in andere Genres: So besticht "Moping" durch hochpräzise-feinnerviges Schlagzeugspiel, ausgefeilte Terrassendynamik – und nicht zuletzt den beherzten Einsatz von Synthies, um die Refrains zusätzlich geschickt anzudicken. "Hole" wiederum zeigt sich herrlich abgedreht und wechselt zwischen Flamenco-Rhythmik nach Art von den Gipsy Kings und wildgewordenen Gitarren-Schlagzeug-Ausbrüchen à la Deerhoof. Komplett irre. Auch der Titeltrack ist ein echter Bastard: Zunächst wechselt Willem Smit zwischen knarzendem Bariton und quengelnder Kopfstimme hin und her, untermalt von irisierend-rhythmischen Akustikgitarren, bevor der Song ausfasert und sich in synkopischen Drums und schrägen Sounds verliert. Kann man dem Album irgendwas vorwerfen? Nun, es enthält drei weniger als 30 Sekunden lange Filler Tracks, auf die man streng genommen auch hätte verzichten können. Doch am Ende bleiben auch dann noch zwölf geile Nummern übrig. Man könnte auch kritisieren, dass insbesondere Pavement hier schon sehr stark als Inspiration durchscheinen. Andererseits: Das ist ja nicht verboten – und wenn dieser spezielle Sound, der immer zwischen Schluffigkeit und zornigem Ausbruch oszilliert, nicht nur gekonnt emuliert, sondern kongenial aufgegriffen und erweitert wird, dann schafft das am Ende einen eigenen Wert. Anders gesagt: Man kennt von Stephen Malkmus und den Seinen nicht wenige Songs, die deutlich schlechter geraten sind als das, was Personal Trainer über weite Strecken abliefern. Eines bleibt, eines steht fest: Das ist eine geile, kraftvolle, originelle Platte, die sich nachhaltig im präfrontalen Kortex verankert, auch über einen längeren Zeitraum trägt – und noch dazu macht sie reichlich Vorfreude auf die drei Live-Gigs, die die Holländer im Oktober und November dieses Jahres in Deutschland absolvieren werden. Der Kauf von Tickets kann an dieser Stelle vorbehaltlos empfohlen werden.

💿 7/10

My Ugly Clementine

Apply autonomy

📅 04.09.2026

Don't mess with me
This is nice
Confidence
The pretender
Head in the air
You won
Science fiction
No rescue
If you know you know
Unlawfully wedded
Apply autonomy

My Ugly Clementine

Apply autonomy

Selbst ist die Band

Selbstbewusstsein dürfte bei My Ugly Clementine eigentlich kein knappes Gut mehr sein. Seit ihrem Debüt "Vitamin C" hat sich die Wiener Band zwei Amadeus Awards abgeholt, wurde von FM4 zum Act des Jahres gewählt und mit dem European Independent Album of the Year ausgezeichnet. Trotzdem steht das lyrische Ich in der Vorabsingle "Confidence" vor dem Spiegel und muss sich den nötigen Mut erst einreden. "I'm gonna fake some confidence", heißt es zum groovenden Indie-Pop, ehe die Aussicht auf ein künftig weniger scheues Dasein gleich augenzwinkernd an die nächste Therapiesitzung weitergereicht wird. My Ugly Clementine selbst müssen dagegen längst nichts mehr vortäuschen. Ihr drittes Album "Apply autonomy" klingt nach einer Band, die ziemlich genau weiß, was sie kann. Und das ist einiges. "Don't mess with me" lässt einen kleinen, hartnäckigen Gitarrenlauf zwischen geisterhaftem Gesang und krachenden Wänden kreisen, bis sich das beschwörende Finale plötzlich von Moll nach Dur schiebt. Auch "Head in the air" beherrscht dieses Spiel mit Laut und Leise, mit Wucht und Luft, und erinnert dabei durchaus an The Last Dinner Party. "This is nice" macht seinem Namen hingegen alle Ehre. Die Gitarren federn, die Stimmen schweben, Haim lassen grüßen und aus einer neuen Bekanntschaft muss weder die große Liebe noch das nächste große Drama werden. Nett ist ja nicht immer die kleine Schwester von scheiße. Dass die Neunziger bei My Ugly Clementine nie weit weg sind, ist keine Neuigkeit. "You won" holt sie besonders nachdrücklich ins Jetzt. Der Midtempo-Grunge, die schweren Gitarren und vor allem der zwischen dunklen und hohen Lagen wandernde Gesang lassen The Cranberries und vor allem deren Überhit "Zombie" durchs Bild spuken. Zweieinhalb Minuten lang genügen in "Science fiction" eine sanfte Gitarre und der herrlich ineinandergreifende Harmoniegesang allein. Dann haut ein mächtiges E-Gitarrenriff dazwischen und die Stimmen bekennen: "Call me out / Call me in / Oh I'm stuck in between." Gegensätze können auch ohne Auflösung einen ziemlich guten Song ergeben. Das Thema der Autonomie wird komplexer verhandelt, als es die kurze Handlungsanweisung im Albumtitel glauben macht. Autonomie bedeutet nicht, möglichst niemanden mehr zu brauchen, sondern selbst zu bestimmen, wie Nähe aussehen darf. "This is nice" hält eine neue Beziehung bewusst in der Schwebe, "If you know you know" holt sich den Raum zurück, den eine vergangene noch immer besetzt. "Unlawfully wedded" entscheidet anschließend, wem dieser Raum gehören soll. "Don't call it platonic / I think it's romantic / The love for a friend", singen My Ugly Clementine in einem wunderbar mitwippenden Plädoyer für Freundschaft und selbstgewählte Familie. Der abschließende Titeltrack bringt den Gedanken auf den Punkt: "The heart needs security / To find my autonomy." Das Bedürfnis nach Halt steigert sich über fünf flirrende, zunehmend intensive Minuten bis zu "Give me drugs, give me medicine / At this point I'll take anything." Die Handvoll Pillen vom herrlich grotesken Albumcover wartet schon. Vielleicht ist "Confidence" deshalb doch das richtige Wort für dieses Album. Mit Gitarren und Bass, drei charakteristischen Stimmen, großen Harmonien und wechselnden Stimmungen geht die Band so selbstverständlich um, dass Punk-Attitüde, Indie-Pop und 90s-Grunge nie nach zusammengetragenen Lieblingsplatten klingen. Fake it till you make it? Das haben My Ugly Clementine längst erledigt.

💿 7/10

Erykah Badu & The Alchemist

Before the world blows: The Abi and Alan experiment

📅 28.08.2026

Echoes
I just play a part (feat. DJ Creole Princess, Westside Gunn & Joi)
Crossfade
Witch doctor
Valentine (feat. DRAM)
Next 2 u
Love me not
Breezy
Abracadabra
To the moon (Plan C) (feat. Steve Lacy)
They ain't you (feat. Thundercat)
What the people say (Apostle 1)
Hot BiBi (Apostle 2)
No I.D. (feat. Westside Gunn)
I know that man (feat. Earl Sweatshirt)
Black box (feat. Kamasi Washington)

Erykah Badu & The Alchemist

Before the world blows: The Abi and Alan experiment

Still on the other side of the game

Da es mittlerweile leider zum guten Ton gehört, in Pressetexten von allen möglichen Releases mit Superlativen zugekleistert zu werden, stumpft man in dieser Hinsicht unweigerlich ab. Hier allerdings scheint eine Ausnahme angebracht, sowohl aufgrund der weit über zehn Jahre währenden Pause als auch wegen der bis dato ziemlich makellosen Diskografie von Erykah Badu. Wer nach dieser langen Funkstille zurückkehrt, will etwas beweisen. Kaum hat Jill Scott zu Anfang des Jahres mit "To whom this may concern" nach ähnlich langer Abwesenheit vorgemacht, wie man den Neo-Soul aus dem Tiefschlaf weckt, lässt sich auch Badu nicht lange bitten. Hierbei vertraut sie im Kern auf eine wohl kuratierte Liste von Features, deren musikalische Schnittmenge – Überraschung! – in vergangenen Produktionen mit The Alchemist liegt. Eine weitere seiner Produktionen, "The realest" mit Mobb Deep, ist gewissermaßen der Ursprung der Zusammenarbeit mit Badu, da sie den Track gerne als Sample-Basis für einen eigenen Song nutzen wollte. Das Ergebnis findet sich auf "Before the world blows: The Abi and Alan experiment" unter dem Titel "Next 2 u". Auch wenn dieser Song nicht unbedingt repräsentativ für das Klangbild des Albums ist, sind darin die zentralen Komponenten schön erkennbar: warme, jazzlastige Vocals und eine Art Teppich-Struktur in den Samples, in der jedes einzelne Element für sich genommen etwas unscheinbar wirkt, aber im Gesamtklang dann eben diese wunderschöne Entscheidungsparalyse verursachen, welchem Melodieteil man ins Unterholz folgen möchte. Aber erst, wenn dazu dann auch noch die Feature-Gäste ihren Teil beisteuern, wird die Kapazitätsgrenze der eigenen Wahrnehmung ausgereizt. The more, the merrier. "I just play a part" beispielsweise stapelt Soundebenen, die so eigentlich nicht zusammengehören sollten und dann eben doch harmonisch aufeinander abgestimmt sind – selbst Westside Gunns omnipräsentes "Brrrrt!", von dem man ansonsten recht schnell recht genervt sein könnte, passt in den Kauderwelsch. Doch auch Einzel-Features wie das von Earl Sweatshirt in "I know that man" können mit der darin erzeugten Vielschichtigkeit insbesondere atmosphärisch überzeugen. Schon bedauerlich, dass es logistisch schlicht nicht möglich ist, sich einfach mit einem Blunt zu den Beteiligten hinzuzugesellen. Zur Wahrheit gehört allerdings, dass trotz aller Cool- und Smoothness, die hier aus den Boxen kommen, das Album enorm stimmungsabhängig ist. Die wirklich lange Spieldauer arbeitet bedauerlicherweise stark gegen einige der Titel, die eher wie Variationen voneinander wirken. Sowohl das Pärchen aus "Breezy" und "Hot BiBi" (Apostle 2) als auch das aus "Crossfade" und "What the people say (Apostle 1)" teilen nicht bloß einzelne Motive, sondern sind auch in ihren jeweiligen Aussagen so nah beieinander, dass man den dramaturgischen Mehrwert nicht so richtig nachvollziehen kann. Für sich genommen gibt jeder einzelne Song kaum Anlass, Versäumnisse zu bemängeln. In ihrer Gesamtheit wünscht man sich doch mehr Brüche und Prägnanz – oder eben einfach weniger vom Gleichen. Dennoch: Die fast schon absurde Selbstverständlichkeit und Klasse, mit der Badu wieder ins Rampenlicht tritt, imponiert. Ob nun ein paar Längen zu viel oder nicht: Wer so ein Comeback liefert, der war eigentlich nie weg.

💿 7/10

Green Carnation

A dark poem, part III: The messiah complex

📅 04.09.2026

Unconditional artificial chemistry
The messiah complex
Broken souls, common enemies
A dark poem – orchestral suite

Green Carnation

A dark poem, part III: The messiah complex

Finale Wucht

Die Norweger von Green Carnation hatten schon in ihren Anfangstagen keine Scheu vor ausufernden Projekten. 2001 beispielsweise veröffentlichten sie "Light of day, day of darkness", ein über 60-minütiges Epos, das nicht etwa hier und da unterbrochen, sondern selbstbewusst als ein zusammenhängender Track präsentiert wurde. Zwar wurde die Band zwischenzeitlich ordentlich durchgeschüttelt, vorübergehende Auflösung inklusive, hat aber längst wieder zusammengefunden. In Teilen, sei hinzugefügt, denn ohne den einen oder anderen Besetzungswechsel blieb die turbulente Phase schließlich nicht. Der Hang zum Epos ist den Musikern bis heute nicht fremd: "A dark poem, part III: The messiah complex" vollendet eine Trilogie, zwischen deren erstem und letztem Teil exakt ein Jahr liegt. Schon der erste Streich "A dark poem, part I: The shores of melancholia" vermochte im Spätsommer 2025 mit seinem stilsicheren Mix aus Progressive Rock und einigen Spielarten des Metal zu überzeugen. "A dark poem, part II: Sanguis" setzte im April 2026 den guten Eindruck fort und wartete sogar mit einer qualitativen Steigerung auf. Da von Beginn an klar war, dass wir es mit einer Trilogie zu tun haben, wuchsen Vorfreude und Erwartungshaltung vor dem finalen Akt kontinuierlich an. "A dark poem, pat III: The messiah complex" liefert ebendiesen mit seinen vier Titeln. Green Carnation spielen sich hier in den ersten drei Songs mit großer Souveränität durch ihr Repertoire. Sänger Kjetil Nordhus führt gekonnt durch die Geschichten, die auf Arthur Rimbauds Interpretation von Shakespeares Ophelia Bezug nehmen, und kann voll auf die instrumentalen Fähigkeiten seiner Nebenleute setzen. Allen Stücken gemein ist ein erfrischender Abwechslungsreichtum – ein Tempowechsel hier, eine hingetupfte Idee dort. Green Carnation führen ihre ausufernden Ideen stets zu einem stimmigen Punkt. Herrlich sind die ausgiebigen instrumentalen Momente in "Unconditional artificial chemistry", mitreißend die auf einen zurückhaltenden Einstieg folgende Wucht im Titeltrack "The messiah complex", komplex-verspielt die nahezu neun Minuten von "Broken souls, common enemies". Aber wirklich außergewöhnlich ist das tatsächliche Ende des finalen Akts. Für "A Dark Poem – Orchestral Suite" setzt die Band auf ein Ensemble vom Kristiansand Symphony Orchestra And Opera Choir. Mit viel Opulenz, aber ohne Kitsch spielen sich die Beteiligten durch eine fast 17-minütige Suite, in der Motive aus den drei Alben durchschimmern und eine große Erzählung wortlos zu einem vortrefflichen Abschluss gebracht wird. Jedes der drei Alben lässt sich übrigens als eigenständiges Werk genießen, doch erst en bloc und ohne Unterbrechungen erwächst aus den drei Komponenten das große Ganze. Oder schlicht mehr als die Summe der einzelnen Teile, um mit Kante zu sprechen.

💿 7/10

The Fourth Wall

Memories of the future

📅 28.08.2026

Zeno's paradox
City lights receding
Archive fever
Tomorrow my love
Kármán line
Before I lose the feeling
For no one's eyes
Future memory

The Fourth Wall

Memories of the future

Hall und Wahn

Als The Fourth Wall im Frühjahr 2024 ihr viertes Studioalbum "Return forever" präsentierten, war das eine der besseren Entdeckungen des noch jungen Jahres. Getragen von der Stimme ihres Sängers Stephen Agustin, spielte sich die Band aus Portland mit großer Souveränität durch ihren feinen Mix aus vielerlei Stilen. Mal drängelte sich eine gehörige Portion Noiserock in den Mittelpunkt, mal erschien das Ganze im Shoegaze-Gewand. Gut zweieinhalb Jahre später legen die US-Amerikaner*innen den Nachfolger "Memories of the future" vor, der trotz anderer Jahreszeit in Sachen Vorgehensweise und Atmosphäre an den Vorgänger anschließt. Fünf Musiker*innen, neun Songs, ein Album wie aus einem Guss: The Fourth Wall sind längst eine verlässliche Größe unter den Kleinen, die im Ringen um Aufmerksamkeit allzu oft das Nachsehen haben. Agustin, der erneut für alle Stücke verantwortlich zeichnet, und seine Mitstreiter*innen fallen nicht mit der Tür ins Haus, wenn sie im eröffnenden "Zeno's paradox" zunächst auf ausgesprochen zurückhaltende Klänge setzen und die Neugier beim Publikum wecken. Schritt für Schritt entstehen hier aber mehr Drama, mehr Intensität und mehr Schichten, die sich zu einem wuchtigen Sound-Teppich zusammenknüpfen. "City lights receding" setzt das konsequent fort, bevor "Archive fever" etwas mehr Luft hereinlässt und den klagend-hellen Gesang Agustins geschickt betont. Der stete Wechsel zwischen reduzierten Momenten einerseits und zuweilen wahnhaften Energiebrocken andererseits vollzieht sich nicht nur von Song zu Song, sondern oft auch inmitten eines Titels. "Tomorrow my love" beispielsweise kommt zu Beginn fast schüchtern daher, bevor es mit einem stimmigen Finale eine neue Richtung einschlägt. "Memories of the future" stellt auch in der Folge unter Beweis, welch große Qualität das Quintett in seiner mittlerweile über 15-jährigen Bandhistorie erreicht hat. Monumentale Wucht, sphärische Reisen durch den klanglichen Weltraum voller Hall, verträumte Passagen: The Fourth Wall lassen nichts aus. Auch inhaltlich hat der Fünfer wie gewohnt einiges zu bieten und breitet seine Arme für all jene weit aus, die sich etwas intensiver mit der lyrischen Thematik befassen mögen. Mark Fishers "Capitalist realism" wird in der Begleitinfo ebenso als Inspiration genannt wie Fredric Jamesons Schriften über Science-Fiction-Literatur und Postmoderne. Doch keine Sorge, man muss nicht in das theoretische Gedankengerüst abtauchen, um die Güte des Albums praktisch genießen zu können. Wäre "Memories of the future" ein Puzzle, das einem vor die Füße geworfen wird, wüsste man übrigens sofort, was an den Anfang und was an den Schluss gehört. "Zeno's paradox" ist der ideale Opener, "Future memory" der perfekte Abschluss. Klarer Fall: Diese Herrschaften wissen, was sie tun.

💿 7/10

Culk

Smogstar

📅 04.09.2026

Kaputte Speaker
7. Stock
Im Strom
Twenty, eighteen
Weiß nur wer ich nicht bin
Willkommen in der Stadt
Siren
Die Welt in Kreisen
Nordwind
Das Schillern

Culk

Smogstar

Teile des Ganzen

"Is my heart full? Is my heart numb? Did we just start, or am I done?" Eine Verwirrung, der man wohl nur mit Weiterentwicklung und der Flucht nach vorn begegnen kann. Die Österreicher*innen Culk um Sophie Löw aka Sophia Blenda haben sich ihre Plattensammlungen noch mal genauer angehört, um Einflüssen Raum zu geben, die in ihrer Musik bisher noch nicht so stark zu Tage getreten sind. Heißt: weniger Diffuses, weniger Wave, stattdessen (noch) mehr dichte Gitarrenwände – aber vor allem Tempo, Riffs und Rock. Das Gerüst der Single "Twenty, eighteen", deren Titel sich auf das Gründungsjahr der Band bezieht, klingt unterhalb von Löws charakteristischem Gesang eins zu eins nach einem flotten Sonic-Youth-Track aus den Neunzigern. Auch der zwischenzeitliche Switch ins Englische ist nach zwei gänzlich deutschsprachigen Platten zunächst ungewohnt, passt aber genauso gut zum einzigartigen, leicht leiernden (lieb gemeint!) Duktus der Sängerin. Ganz "Smogstar", das vierte Album der Band, hat einen dezent verschobenen Ansatz. Dem Culk allerdings mit Bravour Ausdruck verleihen. Vor allem sorgt er für eine erfrischende Eindeutigkeit, ohne dadurch an der Oberfläche kleben zu bleiben. Die soziologische Schwere, die Werke wie "Zerstreuen über Euch" auszeichnete, weicht ein Stück – und es wird privater. Besonders deutlich wird das in "Kaputte Speaker", das so klingt, als hätte man "Echolot" von Wir Sind Helden ins Emo-Ferienlager geschickt. Erinnerungen an eine Jugendliebe und grenzenlose Sehnsucht verwandeln sich in eine riesige Hymne: "Neben Dir bleibt niemand allein." Eingängig, monumental. Auch "Weiß nur wer ich nicht bin", das schließlich in meterhohem Shoegaze zerfließt, sucht nach seiner heranwachsenden Identität: "Frankensteins Kind / In Stücke zerrissen / Von Neuem genäht." Grandioses Coming-of-age im dunklen Schlafzimmer. Gleichzeitig verortet "Smogstar" das Individuum weiterhin im großen Ganzen, im Makrokosmos: "Willkommen in der Stadt, mein Kind." Der Blick aus dem "7. Stock" nimmt seine Umgebung mit allen Sinnen wahr; zu windschiefen Akkorden ergibt sich "Im Strom" ganz dem verführerischen Ruf der Anonymität. Culk widmen ihre Aufmerksamkeit weiterhin dem Komplizierten und den gesellschaftlichen Schattierungen, sodass es sich bemerkbar macht, wenn "Die Welt in Kreisen" eine auffällige Sonnigkeit hereinbringt. Die aber trotzdem klare Kante zulässt: "Ich lasse mich fallen / Ich will nichts und niemandem gefallen / Eure Parolen verhallen." Die namenlose weibliche Hauptfigur der "Smogstar"-Chroniken, die auch als von Löw selbst designtes, Manga-artiges Artwork das Albumcover ziert, zeigt Agency und Selbstbestimmung. Die Wiener*innen erschaffen ihr ein ganz eigenes Worldbuilding, in dem sie agieren kann. "Bin ich schon, wer ich bin, oder noch Erzählerin?" Schon im Drangsal-Feature "Mein Mo(nu)ment" hat Löw 2025 einen schmissigen (Düster-)Rocksong veredelt – führt man sich nun "Smogstar" zu Gemüte, lässt sich das durchaus als Vorzeichen deuten. Culk bauen ihren Sound aus, ohne die liebgewonnenen Markenzeichen fallen zu lassen; Stücke wie "Siren" entwickeln dadurch einen mitreißenden Drive, der die Stärken der Band um eine glanzvolle zusätzliche Komponente ergänzt. Denn aller Zweifel zum Trotz ist Identität am Ende maßgeblich im Werden begriffen. Sie entsteht in Wechselwirkung mit ihrem Setting und oft auch erst im Rückspiegel: "Sag mir, wo warst Du verborgen in all den Jahren? / Sekundenlang sind wir die, die wir mal waren."

💿 7/10

Jorja Smith

What are the odds

📅 21.08.2026

For life
What are the odds
What's done is done
This city (feat. Devlin)
Pretend
The way it was
I lied, you lied
Dancing
Alive (feat. Wizkid)
Young heart
Make it your home
When it gets like that

Jorja Smith

What are the odds

Mehr Bewegung

Schon schön, wenn gefeierte Acts sich noch richtig Gedanken über Konzeptalben machen. So war Jorja Smiths Debüt "Lost & found" noch sehr (neo-)soulig und laid-back, "Falling or flying" als Sophomore wiederum dynamischer und experimenteller, bis hin zu Indie-Einflüssen – davon ist nun nichts mehr übrig. Denn "What are the odds" geht mit all den Ausflügen in Richtung 2-Step, UK-House, D'n'B/Jungle oder auch Grime abermals neue Wege. Sie wolle, so Smith, dass wir uns beim Zuhören "bewegen und bewegt werden", und erschuf mit Produzent P2J in drei intensiven Sessions ihr bislang wohl tanzbarstes Werk. Zuvor legte sie übrigens zum ersten Mal in ihrer Karriere eine verhältnismäßig längere Pause von der Öffentlichkeit ein, was dem Songwriting dieser Platte offenbar zugutekam. Trotz des eher elektronischen Leitmotivs kommt von Smith viel Persönlichkeit rüber, es gibt keine Stelle, an der Text, Sound und Stimme nicht verdammt smooth klingen. Alles andere wäre für die Engländerin auch ungewöhnlich. Am elegantesten hört man den neuen Stil auf der Lead-Single "I lied, you lied", welche passenderweise Smith selbst im Vorfeld als eines ihrer Lieblingsstücke bezeichnete. Nicht zum ersten Mal greift sie hierbei ein Trennungsmotiv auf, bei dem der (Ex-)Partner wie eine klammernde Nervensäge wirkt, aber allein aufgrund dieser einzigartigen Stimme nutzt es sich einfach nie ab. Während der Sound von P2J hier noch etwas dezenter bleibt, spart er beim eingängigen "What's done is done" nicht mit Loop-Spielereien und baut bei "Make it your home" sogar Afterhour-Stimmung ein. Überhaupt ist die starke Zusammenarbeit von Smith und P2J das eigentliche Highlight, was bereits den Opener "For life" herausstechen lässt. Dieser etabliert eine sphärische Grundstimmung aus treibenden Beats und klassischen Four-to-the-Floor-Elementen, welche sich in der Form vor allem durch die zweite Albumhälfte zieht. Hierauf neben der Lebensfreude auch über große Gefühle oder Selbstermächtigung durch Trennung zu singen, ist tatsächlich eine große Kunst, die Smith natürlich erstklassig meistert. Dennoch könnte es diesmal ein paar leicht Enttäuschte geben, welche mit dem manchmal doch recht ungewohnten Soundbild noch warm werden müssen. Es mag hervorragend passen für die beiden Features, was man Wizkid ("Alive") und vor allem Devlin beim großartigen "This city" anhört. Es stellt sich aber die Frage, bis zu welchem Punkt es verschenktes Potenzial ist, wenn die Performance einer Jorja Smith im lärmenden Wirrwarr aus Electro und Rap vereinzelt in den Hintergrund rückt. Oder dass ein relativ simpel gehaltener Track wie "Dancing" platziert ist, was jedoch zum Konzept des Albums dazugehört. Andererseits kann sie sich selbst in diesem teils sehr epischen Ambiente mal wieder ausgiebig entfalten, was Schmuckstücke wie den Titelsong ermöglicht. Der Track wäre allein hinsichtlich des Gesangs und der dramatischen Instrumentals schon ein absolutes Highlight – dass Smith aber den zweiten Part quasi butterweich selbst rappt, macht ihn zum Geniestreich. Rückblickend gilt das nun auch für alle drei Alben von Smith, deren gesamte Diskografie durch diese Platte nun deutlich mehr Clubsound bietet.

💿 7/10

Rika Bender

Blut & Beton

📅 28.08.2026

Schuss ins Herz
Kreis
Zerbricht
Vergessen
Morgenrot
Schwindelfrei
Blut & Beton
Zu hell
Kreis (Leland P. Remix)

Rika Bender

Blut & Beton

Zwei Wälder

Als sich Ende der Siebziger Punk zu New Wave weiterentwickelt hatte, gab es im deutschsprachigen Raum eine Parallelbewegung: die Neue Deutsche Welle. Bands wie Fehlfarben, DAF oder Grauzone hörte man den Mut zur Verstörung an. "No future", der Slogan aus "God save the Queen" der Sex Pistols, wurde auch hierzulande an Tausende Häuserwände gesprüht. Kalter Krieg, Umweltzerstörung, politische Desillusionierung – kommt da was bekannt vor? Jedenfalls war es kein Wunder, dass Punks und Goths dieser Zeit eigene künstlerische Sprachen entwickelten. Man könnte Rika Bender im Jetzt einfach in Schubladen stecken. Aber sie ist da ganz klar: "Ich spiel nicht mit." Sie spielt lieber mit trister Atmosphäre und treibenden Drums. Ihre tiefe Stimme lässt Bilder von Joy Division aufziehen, während das sture Vorwärts der Songs an The Cure circa 1980/1981 gemahnt. Den fulminanten Bass von "A forest" hört man hier im Opener "Schuss ins Herz" und beim unheilvollen "Zerbricht" als Inspiration. "Und wir schreien / So schön, wie alles zerbricht." Und dann drehen gläserne Gitarren Spiralen in Richtung Abgrund. Kreiselnde Gitarren umschwirren auch das formidable "Kreis". Der Song ist auf Benders Albumdebüt "Blut & Beton" gleich zweimal vertreten, denn zum Abschluss gibt es noch einen schicken Remix der Single. Der bringt Klangfarben mit, die auf "Blut & Beton" zuvor gar nicht vermisst wurden. "Vergessen" sinniert sehnsüchtig über Wegwerfsex, während sphärische Synth-Flächen so kalt bleiben, wie eine Welt aus Frust und fehlender Nähe eben sein muss. Es sind dunkle und distanzierende Stilmittel, die hier aus den Achtzigern hervorgekramt werden. Der gute Stoff, Monotonie und Schmollmund. Nicht das euphorische Klimbim, das sie Euch bei den Achtziger-Partys vorsetzen. Gothisches Gitarren-Moll, die säuselnden Synths der New Romantics der NDW, treibende Basslinien wie in "Schwindelfrei", die Monotonie von "Vergessen": "In einer abgefuckten Bar / Zwischen Bier und Pissoir / Tanzen wir im Schweiß der Menge." Auf "Blut & Beton" ist kein Platz für überdrehtes Gealber. Die Songs haben eher einen Besuch beim Therapeuten nötig: "Schon irgendwie toxic." Auch das Titelstück ist angenehm morbide: "Wenn Du fällst / Dann fallen wir zusammen", erklingt es zum DAF-Elektrobass. Es geht eher um Selbstmord als um Hingabe. Bender setzt dazu auf Nihilismus statt Drama. "Tanzen zu Cure auf der Autobahn / Schlafen am Tag und lieben in der Nacht / Hab die Scheiße ja genauso satt." Und dann kommt noch "Zu hell", bei dem sich Bender vom Alltag der anderen entfremdet. "Die Sonne ist zu hell für mich." Dafür sitzt der Lippenstift. Romantik am Straßenrand, Depression im Neonlicht.

💿 7/10

Arab Strap

Half-told tales

📅 04.09.2026

I get noise
You you you
Be a man
Fighting for you
Glamour magick
Gape
Under offer
Basic physics
Sunsong
Dollar park
Mr. Splitfoot
Ampersand
Fragments
Beats per minute

Arab Strap

Half-told tales

Alles muss drauf

"The last thing we wanted to be was one of these heritage bands that just keep touring old records." Zehn Jahre nach dem Comeback von Arab Strap lässt sich dieser von Aidan Moffat formulierten Mission ein glasklares "erfüllt" attestieren. Seit "As days get dark" haben sich die Schotten zwar nicht komplett neu erfunden, aber ihren nachtwandlerischen Indie-Rock um so viele Facetten erweitert, dass es fast wie eine zweite Diskografie wirkt. "Half-told tales" treibt diese künstlerische Freiheit auf die Spitze. Nach eigener Aussage haben Arab Strap auf der 14 Tracks starken Platte diesmal alle Songs aus den Aufnahmesessions untergebracht, und auch stilistisch halten sie nichts zurück. Moffats wie üblich mit herrlichstem Akzent vorgetragener Sprechgesang vereint sich mit Disco-Rhythmen gleichermaßen symbiotisch wie mit folkigen Zärtlichkeiten und teils überraschend harten Riffs, was dieser knappen Stunde misanthropischer Musik den notwendigen Abwechslungsreichtum schenkt. Inhaltlich geht es in diesem Sinne wieder düster zu, allerdings nicht ohne Auflockerung. Moffats Texte kreisen längst nicht mehr um das eigene, in Alkohol und romantischer Verzweiflung ertränkte Elend, sondern haben die ganze Gesellschaft im Blick. Da sieht es zugegebenermaßen nicht gerade rosiger aus, doch wollten Arab Strap diesmal auch Optimismus und Humor vermitteln – was sich oft besonders im Zusammenspiel von Musik und Lyrics zeigt. So sehnt sich Moffat im eröffnenden "I get noise" nach nichts anderem als Seelenruhe, während um ihn herum der Lärm mit Schepper-Drums, aufgeputschten Saiten und freidrehendem Saxofon tobt. "Be a man" hält seine Reflexionen über Geschlechterbilder wiederum mit Drumcomputer- und Piano-dominierter Sanftmut fest, womit das Stück seine Haltung zu stereotypischer Männlichkeit bereits ohne Worte verdeutlicht. Dass Arab Strap auch anders können, zeigt gleich im Anschluss das famose "Fighting for you", das mit angemessen wütendem Drive gegen rechte Volldeppen schießt. Nicht nur hier entfaltet sich "Half-told tales" als ein Album der Kontraste. Neben solchen schroffen Ausbrüchen stehen die Momente, in denen das Duo den zuletzt entdeckten Pop in den Vordergrund rückt. "You you you" pumpt als mächtiger Synth-Dampfer durch den Morast – zu Beginn noch etwas schwerfällig, im weiteren Verlauf aber zusehends intensiver, wenn weitere instrumentale Schichten samt Malcolm Middletons Gitarrenwirbeln dazukommen. Im dezent Trip-Hop-artigen "Gape" ringt sich Moffat eine Gesangsmelodie von seltener Klarheit ab, die sich zu einem hypnotischen Sog steigert. Auch ein Track namens "Sunsong" wäre zu Zeiten der "Fucking little bastards" noch kaum vorstellbar gewesen, doch im Jahr 2026 steht Arab Strap diese luftige Akustiknummer mit ihren gen Ende kurz aufflackernden Konservenstreichern so gut, als hätten sie nie etwas anderes getragen. Geschenkt, dass der "Alles muss drauf"-Ansatz der Platte mit "Under offer" und "Mr. Splitfoot" auch zwei keineswegs schlechte, aber nicht zwingend notwendige Stücke abwirft – die Inspiration von Moffat und Middleton beeindruckt von Anfang bis Ende. Da poltert "Basic physics" mit scharfkantigem Bass los, nur um sich mit Piano-Anschlägen und eingängigem Gitarrenmotiv zur kleinen Hymne zwischen The-National-Gravitas und geschmackvoller Stadion-Geste zu formen. Ebenso unmittelbar nistet sich der perlende Slowcore von "Ampersand" im Ohr ein, das den schönsten Refrain des Albums knospen lässt. Als obligatorische Social-Media-Abrechnung nimmt das böse groovende "Glamour magick" Wellness-Absurditäten aufs Korn, ehe "Dollar park" zwischen Saxofon und fragilen Tasten die Verstärker aufdreht. Zum Abschluss liefert "Beats per minute" einen waschechten Plot-Twist, wenn sich seine physikalischen und biologischen Fakten als Kontext für eine an den eigenen Nachwuchs gerichtete Ode an die Flüchtigkeit entpuppen. Unter der miesepetrigen Oberfläche sind Arab Strap eben doch Menschenfreunde – und das hat sich im Wesentlichen seit 30 Jahren nicht geändert.

💿 7/10

Dottie Andersson

Andersson funeral home

📅 04.09.2026

Andersson's sermon
I love being sad
Wash my hair
Wind that makes the subway sound
Only metaphorically
Marlow first
Who wants to love me
Ipecac
Skrattar när det åskar
Scandi underground
Andersson's hmyn

Dottie Andersson

Andersson funeral home

Grinsen nach dem Donner

Dottie Andersson ist eine faszinierende Person. Folgt man der Schwedin auf einschlägigen Social-Media-Portalen, versteht man viel und wenig zugleich – aber wird gut unterhalten. Die Songwriterin, Sängerin und Drummerin aus Småland tauft sich mal eben "Swedish drummer vampire, born at IKEA" und schnell ist klar, dass man an vieles, was die Dame so von sich gibt, ein überdimensionales Zwinker-Smiley dranheften darf: Nicht zuletzt verraten auch Albumtitel und Artwork: Ironie, Humor und Sarkasmus bilden eine wichtige künstlerische Klammer. Dabei hat Andersson wie viele andere junge Menschen bereits durchaus ernste Dinge erlebt. Zum Beispiel ein nennenswertes Alkoholproblem schon in jungen Jahren überwunden. Das abrupte Ende der letzten Paarbeziehung, ihrer ersten großen Liebe, hingegen noch nicht. Und weil das Verarbeiten Zeit braucht, die Selbstfindung und Neujustierung ein andauernder Prozess ist, liegt es recht nahe, dass die erste offizielle LP der Schwedin mit sehr persönlichen Emotionen und Texten aufwartet. Sich in eine Art bittersüßen Sog ziehen zu lassen, sich in Traurigkeit zu üben, kann karthatische Wirkung haben, das offenbart die junge Singer-Songwriterin im melancholischen Quasi-Opener "I love being sad". Auf gerade mal knackige 2:15 Minuten modernen Pop bringt es "Only metaphorically", doch im Kontext von "Andersson funeral home" klingt das Stück auch nur bedingt optimistisch, denn schließlich fehlt der Verflossene bei so ziemlich allem, was man tut. Und irgendwann kommt die Gewissheit, dass es kein Zurück gibt, wie das pointierte "I leave the party" festhält: "I know I can't change a heart of stone." Andersson schreibt die Songs selbst, verfeinert werden ihre Skizzen vom Multi-Instumentalisten Ben Jackson Cook, der auch Gitarrenparts und Keyboard-Sounds beisteuert. Und für Variation sorgt. Hier sticht "Marlow first" hervor, das gewissermaßen die Trotzphase im Prozess der Gesundung abbildet und sowohl auf einem feinen Beat daherkommt als auch vor dem Refrain leicht verzerrte Gitarren raushaut. Das vermutlich kurioseste und eingängigste Stück schrieb Andersson, während sie eines Abends ein wenig abewesend und verträumt durch einen Berliner U-Bahnhof schlenderte. "Wind that makes the subway sound" will zumindest so gar nicht mehr aus den Hörwindungen verschwinden. "Whoo whoo!" Bei allem sauren Schmerz, bei aller süßen Verspieltheit und Introvertiertheit ihres extrem melodischen Indiepop-Sounds schreibt die Schwedin nicht nur schöne Songs, sie pinselt auch einige kluge Sätze an die Wände, die den Aufbruch zu Neuem wiederspiegeln, die ein Kapitel des Nach-vorn-Blickens zeichnen. Mit den Zeilen "Wishful thinkin' / Is making life worth living" in "Wash my hair" zeigt Andersson eindrucksvoll, das Imagination und der Blick für Schönes, das kommen mag, ebenfalls bewegend sein kann. Zu dem Stück sagt sie: "Was könnte näher, ja intimer sein, als jemandem die Haare zu waschen!?" Zuversicht rückt auch der einzige schwedischsprachige Titel der Platte in den Fokus: "Skrattar när det åskar" bedeutet so viel wie "Lacht nach dem Donner". Und da Selbstmitleid auf Strecke zwar zur seelischen Heilung beitragen kann, Selbstbeerdigen allerdings keine Option ist: Was bleibt uns anderes übrig?

💿 7/10

Airbourne

📅 04.09.2026

Gutsy
Alive after death (Last plane out)
Here she comes
Kid in a candy store
Sky high
Who put the rhythm in you?
Christmas bonus
Last man standing
Rock'n'roll ya
Bogotá
Hell's got no vacancy
Send me to rock'n'roll heaven

Airbourne

Let there be rock

Ja klar, als australische Hardrockband hat man sozusagen qua Herkunft wahlweise AC/DC oder Rose Tattoo als Vorbilder. So will es zumindest das Klischee für Pub-Rock made in Down Under. Und natürlich ließen sich Airbourne diese Ehre nicht entgehen, als sie 2004, also noch weit vor ihrem Debütalbum "Runnin' wild", anlässlich der Umbenennung einer kleinen Gasse in Melbourne in "AC/DC Lane" zwei Live-Sets spielen durften. Für eine kolportierte Gesamtgage von 200 Dollar. Dass sich danach die großen australischen Labels um die Gruppe förmlich prügelten, gehört zur Bandfolklore, doch es war – natürlich, möchte man hinzufügen – ein gewisser Ian Fraser Kilmister, der ohne Gage im Video zum Titeltrack dieses Debüts auftrat und den wohl nachhaltigsten Eindruck bei den jungen Musikern hinterließ. Zeitsprung in die Gegenwart. Airbourne gehören längst zu den größten des Genres, Lemmy ist auch schon mehr als 10 Jahre nicht mehr unter uns. Und Joel O'Keeffe bedankt sich in einem langen Brief an die Motörhead-Legende, die den Aussies einen Rat gegeben hatte: Macht die Musik, die vor allem Euren Roadies gefällt. Denn die hören sie auf Tour tagein, tagaus. Für dieses große Ziel hat der Vierer sich durchaus etwas einfallen lassen. Sechs lange Jahre Zeit gelassen fürs Songwriting, mit Brian Howes, der bereits 2013 bei "Black dog barking" hinter den Reglern saß, ein vertrautes Mastermind zurückgeholt. Und dann gibt es da noch zwei Kollaborationen, die sich gewaschen haben: "Here she comes" und "Who put the rhythm in you?" schrieb man mit Produzenten-Urgestein Mutt Lange und... einem gewissen Bryan Adams! Klingt nach einem Plan, oder? In der Tat. Nach wenigen Sekunden ist die lange Pause seit dem letzten Album "Boneshaker" wie weggeblasen, die erste Dose Bier aufgerissen, und spätestens beim Refrain des bereits im letzten Jahr veröffentlichten "Gutsy" müssen dann auch die Nachbarn mithören. Das folgende "Alive after death (Last plane out)" ist geradezu unverschämt schmissig und verweist darauf, dass verstorbene Musiker durch ihre Kunst weiterleben, solange ihre Musik am Leben bleibt. "When you speak my name / You give me back my tongue / When you sing my songs / You give me back my lungs." Starke und kraftvolle Lyrics, die nebenher altbekannte Klischees beiseite wischen. Was nicht heißt, dass die Aussies nicht genau damit formvollendet spielen können. "Kid in a candy store" könnte als angestaubte Pubertätsfantasie durchgehen, lässt aber zu jeder Zeit das nötige Augenzwinkern durchblitzen und bedient sich ganz nebenher noch im Gitarrenlick-Fundus von Angus Young, während bei "Christmas bonus" schon der Titel breit grinst – und hey, bei AC/DC haben bei "Mistress for Christmas" auch alle mitgegrölt. Da verzeiht man auch den kleinen Fauxpas von "Who put the rhythm in you?", bei dem Bryan Adams glatt entgangen ist, dass die Ohoho-Chöre exakt dieselben sind wie beim ebenfalls von ihm mit geschriebenen "Here she comes" – was die Songs glücklicherweise nicht schlechter macht, sondern nur stadiontauglicher als ohnehin schon. Denn ansonsten könnte man alleine über die Produktion in Lobeshymnen schwelgen, denn hier wird das Maximum aus dem analogen Equipment herausgeholt, auf übermäßige Polituren wird verzichtet und so der Platte genau die richtige Mischung aus Wucht und Dreck verpasst – was für eine akustische Wohltat in heutigen Zeiten, die alleine dafür sorgt, dass "Airbourne" wie in der guten alten Zeit auf dem passenden Equipment in angemessener (sic!) Lautstärke gehört werden will. Was angesichts der Klasse des Albums umso mehr Spaß macht. Klar, nach über 20 Jahren wird das Gaspedal nicht mehr dauerhaft voll durchgetreten, ist der Vierer nicht mehr ganz so ungestüm. Energie ist dennoch im Überfluss vorhanden, und auch wenn sich die Band am Schluss mit "Send me to rock'n'roll heaven" vor den Legenden des Hard Rock verneigt, zeigen Airbourne nicht nur Demut. Sondern auch, dass es aktuell nicht viele Genrevertreter gibt, die den Australiern auch nur ansatzweise die Bierdose reichen können.

💿 7/10

Paris Paloma

The fatal flaw

📅 04.09.2026

Miyazaki
Rothko
Stem the flow
The bleeding part of me
Get her the fucking flowers
Pre-Raphaelite
Good girl
Pyrrhus (You go where I cannot)
Silhouette on the hill
Good boy
Beautiful birds
I cry in front of paintings

Paris Paloma

The fatal flaw

An army of me

Bereits der Starttitel "Miyazaki", welcher ein Zitat des Studio-Ghibli-Urvaters Hayao Miyazaki über die Gefahren der Nutzung von KI im kreativen Prozess paraphrasiert, setzt mit dem Crescendo zu den Zeilen "I'm not a violent person / But I make things with aggression / I'm not a violent person / But my work is one exception / I won't let you take it from me!" den Grundton von "The fatal flaw": Nicht kopflos, nicht herzlos, aber kompromisslos. Gefühle werden nicht transportiert, sondern direkt subkutan ins Mark gestochen. "Rothko", in welchem die Interpretin stundenlang vor einem seiner berühmten Color-Blocking-Gemälde steht und darauf wartet, so ergriffen zu weinen, wie es andere Besucher*innen angeblich dabei täten, vereint Sehnsucht, Lamoryanz und Fatigue zu vordergründig simplen, aber nicht minder ergreifenden Hilferufen: "It's in the ether / How I ever felt about you and I used to be such a believer / I find myself bleeding / And it seems that it's never even for the right reasons / What those are, I still haven't a clue." Und gerade wenn man denkt, dass man das nicht wesentlich besser machen kann, kommt direkt danach "Stem the flow" mit dem einen für alle gebrochenen Herzen gültigen Zitat überhaupt: "And I want you to try / So that I can thank you for trying / And then maybe that'll make you try some more / It's not in my nature / To forgive bad behaviour / Except when it's yours." Große Lyrik muss keine schwere Lyrik sein. Musikalisch läuft das alles so ab, wie man sich wohl gemeinhin keltisch-paganistische Hexenrituale vorstellen mag: energetisch, rhythmisch treibend und phasenweise mit impulsiven Ausbrüchen à la Florence Welch. Wenn auch mit etwas konventionelleren Chord Progressions und Instrumentierungen. Insbesondere die Streicherarrangements sind hier qualitativ herauszuheben, neben einigen hübschen Soundspielereien wie zum Beispiel dem Cembalo-Einsatz in "Pre-Raphaelite". Der Clou, weshalb alle diese doch recht unterschiedlichen Kompositionen so gut zusammenwirken, liegt in wesentlichem Umfang im Mastering von Palomas Gesangsstimme, die trotz hoher Bandbreite und Stimmumfang in der Lautstärke nur selten ausschlägt und damit alle Tempowechsel erdet. Das ist zwar kein Gegenentwurf zum "loudness war", aber mindestens eine Rückbesinnung darauf, dass es auch elegantere Methoden gibt, mit seiner Produktion Eingängigkeit zu erzeugen. Wie zu Beginn angedeutet, gibt es da aber noch das letzte Drittel von "The fatal flaw", welches das Problem hat, größtenteils "nur" aus guten Pop-Songs zu bestehen. Ja, das ist die Kritik, "schlimmer" wird es in diesem Text nicht mehr. Exemplarisch hierfür fällt insbesondere "Good boy" mit seiner analogiefreien, offensiv-ironischen Art sowohl aus dem vorherigen Kontext, als auch für sich alleine unangenehm auf. So inhaltlich richtig vieles auch sein mag, was darin postuliert wird, wirkt es bei den teilweise imposanten Stücken zuvor nahezu kleingeistig. Das sei jedoch direkt soweit abgeschwächt, als dass der Titel außerhalb des Albums als Einzelstück mutmaßlich sehr viel leichter ins Ohr ginge. Kunsthistorisch sei daran erinnert, dass diverse heute als Meisterwerke anerkannte Gemälde auch bloß auf Leinwänden entstanden, auf denen zuvor schon simplere Motive und Studien gezeichnet wurden. Yet still, hanging in the Louvre.

💿 6/10

Jolle

Sunny side up/:down

📅 04.09.2026

Alle Märchen sind gelogen
Tief
Träumer
Gewinner
Anruf in Abwesenheit
Plusminus
Zinnsoldaten
Fingergun
Danke für nichts
Frei
50 Stufen Grau
6 Fuß unterm Beet

Jolle

Sunny side up/:down

Gewaltpapiercontainer

Oftmals merkt man an den Details, wie tiefgreifend eine Geschichte für diejenigen ist, die sie erzählen. Die eigene Krankheitsgeschichte beginnt quasi nie mit irgendwelchen Superlativen, weil der eigentliche Gegner Zeit zu diesem Moment noch gar nicht zum Schlag ausgeholt hat. Auf Jolles Debütalbum "Sunny side up/:down" beginnt die düstere Reise in die eigene Vita nach dem Statement-Titel "Alle Märchen sind gelogen" mit genau diesem fragilen Gerüst, dem man immer mehr beim Nachgeben zusehen kann. Zeilen wie "Bin auf dem Weg vom Zahnfleisch in die nächste Psychiatrie / Ist alles nicht so tief / Fidget Spinner sind auf Speed / Halt mich nicht mehr fest, wenn ich aus der Kurve flieg" aus dem gleichnamigen "Tief" sind so bedrückend schön in ihrem Flirren zwischen müder Resignation und galligem Zynismus, weil sie ganz offensichtlich eben nicht nur Songzeilen, sondern tatsächliche Erlebnisse darstellen, wie Jolle bereits in einigen Interviews angerissen und auch ausführlich via Instagram erläutert hat. Durch diesen Kontext wirkt dann auch der exzessive Gebrauch von Stimmverzerrern eben nicht nur wie ein modernes Produktions-Gimmick, sondern eine stilistisch schlüssige Entscheidung, um das eigene mentale Zerrbild auszudrücken. Dieser stimmliche Gleichmacher nimmt dem Vortrag naturgemäß Differenzierung und den Arrangements einige instrumentale Spitzen; seicht wirkt das Album dadurch dennoch nur selten. Damit allerdings steht und fällt der eigene Höreindruck: Es kommt darauf an, ob man auf die wabernde, angestaute Emotionalität einzahlt und das Subtile in Jolles Vortrag wertschätzen kann – oder sich missmutig wundert, wohin diese ganze Erzählung eigentlich steuern soll. "Sunny side up/:down" trägt viele Merkmale eines klassischen Songwriter*innen-Debütalbums. Ab einer gewissen Tiefe von Erfahrungen ist die Grenze zum Melodrama zwar unweigerlich fließend, aber der Versuch, in nahezu jeden Paarreim ein kleines Universum zu pressen, ist zu oft ein nicht eingelöster Selbstanspruch. Exemplarisch hierfür der Titel "Gewinner", bei dem gefühlt keine Zeile ohne cleveres Wortspiel auskommen darf. Man muss also schon ein wenig darüber hinwegsehen können, dass der Drang zur Tattoo-würdigen Caption hier so stark ausgeprägt ist, wie es sich für junge, wache Geister eben auch gebührt. Denn auch wenn das bisweilen anstrengend ist, so ist es nie wirklich peinlich und fühlt sich daher auch aufrichtig an. Jolle verhebt sich nicht ungestüm an überkomplexen Metaphern, sondern hat eher gelegentliche Schwierigkeiten dabei, die dabei ausfransenden Gedanken wieder zu einer zentralen Aussage zusammenzufügen, was die aufgebauten Emotionen oft zu einer diffus-atmosphärischen Gefühlslage abstuft. Zwar passt dieses "Von allem zu viel"-Gefühl gut in die angestrebte Vision von "Sunny side up/:down", lässt sich aber eben auch nur begrenzt "überhören". Vielleicht würden ohne den Druck eines Debütalbums und mit etwas mehr Tourerfahrung die erzählerischen Stärken, die hier bereits erkennbar sind, deutlicher herauskommen und die gewünschte Message klarer werden lassen. Bis es mit einem Nachfolger so weit kommen kann: Bleibt gesund – und gebt Acht aufeinander, gerade wenn es mal nicht so ist.

💿 6/10

The Warning

Everything's falling

📅 28.08.2026

Ritual
Perfect daughter
Everything's falling
Why do you like it when I cry
Bite my tongue
Kill or be killed
Ego
Bloodsport
Break
Bruises
Waste your time on me
Kerosene

The Warning

Everything's falling

When the hurlyburly's done

Auch als Fan hat man es ja bisweilen nicht leicht. Geschätzte Bands bleiben trotz hartnäckiger Werbung im Bekanntenkreis unverdient unter dem Radar der Allgemeinheit. Oder ihre Karriere wächst und gedeiht mit den Jahren. Dann werden die Bühnen größer, die Features prominenter – und die ersten Hörproben neuer Singles verlieren entsprechend an Intimität. Wie man zwischen diesen leicht überzeichneten Pfaden einen respektablen Mittelweg finden kann, zeigen The Warning. Die drei Schwestern aus Monterrey gehen in Interviews angenehm offen mit dem Privileg um, das ihren Weg von Anfang an begleitet hat: Ihre Eltern haben sie von Kindesbeinen an musikalisch gefördert. Gleichzeitig machen sie deutlich – ohne dabei direkt gegen Kolleg*innen zu schießen –, dass sie den Mythos vom spontanen und wilden Rock-Lifestyle nicht glorifizieren. Musik beschreiben sie stattdessen als das, was sie auf ihrem jetzigen Niveau eben ist: Detailarbeit. "Everything's falling" ist nun ihr erstes Album, das nicht parallel zu Tourdaten produziert wurde – und gleichzeitig das erste, für das zuvor eine interne Deadline feststand. Klingt banal, verändert den kreativen Prozess aber offenbar maßgeblich. Umso überraschender ist, wie stimmig sich das Album in den bisherigen Bandkatalog einreiht. Allerdings braucht "Everything's falling" hier eine Weile, um auf Betriebstemperatur zu kommen. Ob das ebenfalls dem veränderten Produktionsweg geschuldet ist, lässt sich nur vermuten. Beim Vorgänger "Keep me fed" wirkten sowohl die Themen als auch die stimmlichen Ausbrüche deutlich greller, aggressiver und insgesamt unkalkulierbarer. "Everything's falling" setzt dagegen auf Kraft durch Kontrolle statt auf rohe Stärke. Die Range von Sängerin Daniela Villarreal Vélez wird auch weiterhin voll ausgespielt. Wie schon der Auftakt "Ritual" exemplarisch zeigt, geschieht das allerdings deutlich häufiger in den höheren Stimmlagen. Insgesamt nehmen sich die einzelnen Titel dafür mehr Zeit und Raum. Egal, ob man es nun als Lob oder als Tadel auslegen möchte: So spielt ein Alternative-Rock-Headliner. Doch etwa ab der Mitte des Albums finden sich wieder mehr Einflüsse aus melodischem Metal und diversen -Core-Genres. Genau dadurch entgeht das Album dem sich abzeichnenden gemeingefälligen Mittelmaß. Gerade die Kombination aus "Ego" und "Bloodsport" profitiert enorm von ihrer rhythmischen Gegensätzlichkeit. Und wie auch schon beim Vorgänger wünscht man sich insgeheim, dass doch mehr als ein einzelner Titel mit spanischen Lyrics auf dem Album auftauchen würde. Das treibende, kurzatmige "Ego" fährt die eigene Körperspannung ganz ohne explosives Finale genüsslich Stufe um Stufe hinauf, um sie dann mit besagtem "Bloodsport" in einem kurzen Ruck aus den Gliedern zu zerren. Sowohl beim Gesang als auch bei Gitarrenriffs und Melodieführung gehen die Assoziationen deutlich stärker in Richtung Paramore oder The Pretty Reckless als bei den vorherigen Alben. Gerade der Schlusstitel "Kerosene" ist so textbuchartiger Radio-Rock, dass man wirklich eine Weile darüber nachdenken muss, ob man ihn nicht schon woanders mal gehört hat. Negativ lässt sich das als Austauschbarkeit auslegen. Andersherum – wozu hier tendiert wird – zeugt es von einem Gespür für Melodien, die in einem großen Konzertkontext auch abseits eines eigenen Fan-Lagers trotzdem funktionieren. Doch auch diejenigen, die den Weg der drei Schwestern schon länger begleiten, haben trotz der einen oder anderen fehlenden Kante mit "Everything's falling" einfach eine gute Zeit.

💿 5/10

Kasabian

Act III

📅 04.09.2026

Quiet on set please 1m9
Soulmate
Hippie sunshine
Superpowers
Great pretender
Nothing better than this
Mind palace 2m7
Silver apple eyes
The guru and the crypto time machine
NPC 3m12
Glide
Hyper//Rising
Say you (closer)

Kasabian

Act III

Kampf um den Klassenerhalt

Ja, was soll man da noch groß schreiben, wenn die routinierte Songmaschine Serge Pizzorno wie alle zwei bis drei Jahre mal wieder eine neue Platte fertiggestellt hat? Die Kasabian-Fans freut es, die Konzertgänger tanzen zu den alten Hits und vielleicht auch zu ein, zwei frischen, der Rest zuckt mit den Schultern. Album Nummer drei, pardon, "Act III" nach der Trennung von Tom Meighan lässt wenig Zweifel daran aufkommen, dass Chef Serge da jemals etwas am Muster ändern wird, selbst wenn er behauptet, das hier sei wieder mehr ein echtes Bandalbum. Die Sounds sind altbekannt, Pizzorno war und ist eh die Rampensau der Band aus Leicester, also Fuß aufs Gas und fertig. Nachdem die "Happenings" nicht mal eine halbe Stunde dauerten, reicht die Energie nun für 32 Minuten. Drei kurze Instrumentals sollen den zehn Songs, die selbst meist kaum oder gerade so die Drei-Minuten-Grenze erreichen, etwas Zusammenhalt verleihen. Was eher mittelprächtig gelingt, denn dieses Album wirkt letztlich doch wie ein Schnellschuss, eine Fingerübung zwischendurch. Klar, Pizzorno bekommt das als Sänger mit seiner schnodderigen Stimme hin, die Lebensweisheiten eines mittelenglischen Lads unter die People zu bringen, auch ohne Meighans markanteres Organ. Daran haben sich die meisten gewöhnt. Aber dieses Mal bleibt doch ziemlich wenig hängen. Eingängigkeit ja, Haltbarkeit überschaubar. Freunde der rockigeren Phasen Kasabians dürfen ein Pünktchen für die etwas stärker eingesetzten Gitarren addieren. Stücke wie "Hyper//Rising" knattern trocken durch den staubigen englischen Sommer 2026. Die Psychedelia, die früheren Platten ein paar zusätzliche Schichten verlieh, ist hier aber nur in Räucherstäbchen-Dosierung vorhanden. Immerhin überrascht das zunächst die Festival-Crowd anheizende "Hippie sunshine" mit einem charmanten Piano-Break, während der "Great pretender" seine Größe nur zwischen flachem Power-Pop vortäuscht. Die Disco-Momente der jüngeren Vergangenheit sind ebenfalls noch da. "Superpowers" macht dabei durchaus Spaß, aber man wird den Gedanken nicht los, was wohl ein Fuchs wie Damon Albarn aus so einem Track gezaubert hätte. Das zweite Glitter-Stück "Silver apple eyes" flufft angenehm durch, doch Empire Of The Sun haben den Song als "We are the people" schon besser hinbekommen. Den witzigsten Songtitel greift sicherlich "The guru and the crypto machine" ab, und der groovt sich mit seinem schleppenden Beat nach wiederholtem Hören neben dem feinen "Soulmate" am nachhaltigsten ins Gedächtnis. Es ist am Ende wie bei Leicester City: Die Premier League ist mittlerweile ein ganzes Stück weg.

💿 5/10

Sam Smith

Hazel eyes

📅 21.08.2026

Everlasting love
Hazel eyes
Moondance (feat. Feist)
My guy
When he's gone
Thief
Love is a stillness
Sugar rush
Oh mother (feat. The TwoCityChorus)
Constant companion
Hold on
To be free

Sam Smith

Hazel eyes

Auf Unheilig folgt Gospel-Chor

Es lebe der Minimalismus: Sam Smith hat die Kostümkiste mit dem Lack-und-Leder-Hausrat von"Gloria" und der Grammy-Single "Unholy" im Keller verstaut und die Pop-Beats direkt hinterhergeworfen. Das fünfte Studioalbum "Hazel Eyes" will zurück zu dem, was wohl unter "echtes Handwerk" verbucht wird: Gospel, Soul, ein bisschen Blues und ganz viel Intimität. Das Problem ist nur, dass Smith dabei vergessen hat, Songs zu schreiben, die länger im Gedächtnis bleiben als der letzte Schluck lauwarmer Tee. Immerhin bleibt die größte Stärke: Eine Stimme, die vermutlich auch das Telefonbuch noch nach Soul-Ballade klingen lassen könnte. Sie reicht vom fragilen Falsett bis in bluesige Tiefen, kann hauchen, drücken und sich innerhalb eines Satzes komplett verändern. Im wuchtigen "When he's gone" wird alles aus dieser Stimme herausgequetscht, was möglich ist – Smith dehnt, drückt und knödelt, bis die Grenze des Belastbaren erreicht ist. Diesem Handwerk zuzuhören ist grundsätzlich faszinierend. Und es kommt sogar deshalb noch besser zur Geltung, weil das Album sich anfühlt wie eine sündhaft teure, aber extrem private Studio-Session. Es gibt kaum Vielschichtigkeit, dafür aber auch keinen unnötigen Pop-Ballast. In "My guy" zeigt sich diese neue Bescheidenheit am besten: Ein sanfter Bass und ein beiläufiges Tambourin bilden das Gerüst, mehr braucht es nicht. Smith beginnt fast flüsternd, ganz nah am Mikrofon, nur um die Stimme im Refrain plötzlich emotional und laut nach oben zu treiben. Dass die Liebe zum eigenen Verlobten Christian Cowan besungen wird, geschieht mit einer beiläufigen Selbstverständlichkeit. Auch die Klavier-Ballade "Love is a stillness" schlägt in diese Kerbe und erinnert an die Dramatik von neueren Adele-Singles. Gelegentlich bricht das Album aus diesem Muster aus. "Oh mother" ist ein starker Gospel-Song mit fast schon rockigen Elementen und einem lauten Chor, der entfernt an die Energie von "Unholy" erinnert. "Sugar rush" macht mit Doo-Wop-Elementen Spaß, obwohl von Pop-Smith hier noch weniger übrig ist als bei den Schmachtballaden. Am ärgerlichsten ist jedoch der Auftritt von Feist in "Moondance". Sie gilt als begabte Gitarristin und Sängerin und singt bis in Höhen, die dem Pfeifregister akustisch nahe kommen. Statt Feists Gesangstalent Raum zu geben, beschränkt der Song ihre Stimme auf eine Funktion im Arrangement: Sie singt parallel mit Smith, während im Hintergrund raue Indie-Klänge köcheln. "Hazel eyes" hat in erster Linie ein Luxusproblem: Smith hat jetzt die Freiheit, sich von Pop-Erwartungen zu lösen, aber nutzt sie für Zurückhaltung. Handwerklich bleibt das Album unangreifbar. Wer diese intime Session verlässt, tut das wahrscheinlich mit Anerkennung, aber ohne einen einzigen Song im Ohr.

💿 3/10

Natalie Imbruglia

Algorithm

📅 04.09.2026

Debbie
Upside down
Catastrophe
Algorithm (Interlude)
Algorithm
Sounds like it feels
Jesus on Mars
Who dimmed the lights
Endgame
Just drive
Breathe with the fire Lola
Beautiful love

Natalie Imbruglia

Algorithm

Nixmaxxing

Der Fluch dieses einen Songs, der zum Hit wird und alle künstlerischen Versuche danach zu überstrahlen einfach nicht aufhört. 29 Jahre liegt der bei Natalie Imbruglia zurück. Damals gelangen der Anglo-Australierin reichlich tolle Songs. Sechs Alben später probiert sie es auf "Algorithm" laut Beipackzettel mit eleganten Pop-, House- und Discoelementen. Darf man so? Kein Ding, wenn Du frische Sounds und/oder spannende Songideen hast. Auf "Algorithm" zeigt Imbruglia aber vor allem Flickern und Flackern, das man anderswo schon mehr als einmal gehört hat. "You know all my moves / 'Cause I can't keep my mouth shut." Jepp. Es wimmelt von Manierismen, aber keiner davon fühlt sich echt an. Im Titelstück taucht Rihanna vorm geistigen Auge auf, immer wieder grüßt Lady Gaga – inklusive Disco-Handclaps und überdramatisch gesungenem Titel in "Catastrophe" –, und eigentlich wäre Imbruglia sowieso gerne Robyn. Als Bewerbungsschreiben für die Clubs taugt das hier aber echt nicht. Dafür sind Imbruglias Tracks zu vorhersehbar inszeniert, die Kompositionen zu flach. Stattdessen hatte irgendwer die Idee, immer noch ein paar klingelnde Layer über die allzu austauschbaren Tracks zu schütten. Generische EDM ohne jeglichen Charme. Kein Feuer, nirgends. "It sounds like it feels" ist dann wenigstens so ehrlich und erstickt sich im Chorus selbst an einer Überdosis künstlichem Dur. Ein derart enervierend wiederholtes Synthmotiv wie in "Just drive" wäre selbst Kraftwerk zu unterkomplex gewesen. Dabei wollte Imbruglia auf "Algorithm" ihre Vergangenheit verarbeiten und sich mit erwachsener Elektronik daraus erheben. Obwohl ihr lyrisches Ich dafür mehrmals andere Frauen anspricht, bleibt vieles Selbstgespräch und Autosuggestion. Inhaltlich geht es selten tiefer als "Ay ay ay ay / Ay ay ay ay / Ay ay ay ay / Yaya." Selbst ein Song namens "Beautiful love" ist maximal so empathisch wie ein Gespräch mit ChatGPT Free. Und so verfängt das therapeutische Tanzen einfach nicht. Das hat offenbar einen Grund: "I'm too lazy lately to do people." Wenigstens ehrlich ist sie. Aus der weitgehend egalen Synthetik heraus schält sich ganz anderes. Die Vorabsingle "Upside down" will sich mit gefälligem Tralala und schrammeligem Handwerk in den Himmel wiegen. "Jesus on Mars" bewirbt sich gar mit Robbie-Williams-Vibes, flext dann aber mit unmotiviertem Gitarrensolo und ist nach zwei Minuten auch schon wieder vergessen. Am besten ist "Algorithm" immer dann, wenn die Arrangements mal innehalten. So zwischen Minute 2:12 und 2:35 in "Endgame". Irgendwo in "Who dimmed the lights" kommt nach einer Minute Überfrachtung sogar nachspürbares Sentiment auf. "I'm way off track / There's nothing here / Can't find my way back." Ganz überzeugt vom eigenen Konzept scheint Imbruglia jedenfalls nicht zu sein. Geht uns genauso. Ein Sound gewordenes Meh.

Image	Band & Record	Highlights
	Mine Killer 📅 04.09.2026 💿 8/10	Dicht Lichter aus Einig How Bild von mir (feat. Eleo) Dunkel Intro Dunkel Relativ Bis einer weint Killer Oxytocin (feat. Lionstorm) Gegen die Wand Eattherich Ohne Dich
	Jonathan Bree Don't call it love 📅 27.08.2026 💿 8/10	Disappear Chameleon (feat. Eloïse Labarbe-Lafon) Game Cloak and dagger Confidant Honey Live to dance (feat. Princess Chelsea) Medicine This is me Part-time lover (feat. Princess Chelsea) Just like an angel Savour my love (feat. Rachel Clarke) Gun Don't call it love (feat. Adah Dylan) She was fun Slow (feat. Princess Chelsea) Little Miss No Name
	Chat Pile Who loves the sun 📅 04.09.2026 💿 8/10	Creature Deep blue Same rules PEN I S MALL Shrine Intruder Christabel '26 Influence Family funeral October all the time
	Personal Trainer Human assholes 📅 04.09.2026 💿 7/10	Marvin's curtain up Scrambled egg Punch drunk love Bone Moping Places! The Burrows Barely Guillaume Hole Human assholes Rim shot / event horizon Tempo Tyres skid Object permanence Letter from the scentless realm
	My Ugly Clementine Apply autonomy 📅 04.09.2026 💿 7/10	Don't mess with me This is nice Confidence The pretender Head in the air You won Science fiction No rescue If you know you know Unlawfully wedded Apply autonomy
	Erykah Badu & The Alchemist Before the world blows: The Abi and Alan experiment 📅 28.08.2026 💿 7/10	Echoes I just play a part (feat. DJ Creole Princess, Westside Gunn & Joi) Crossfade Witch doctor Valentine (feat. DRAM) Next 2 u Love me not Breezy Abracadabra To the moon (Plan C) (feat. Steve Lacy) They ain't you (feat. Thundercat) What the people say (Apostle 1) Hot BiBi (Apostle 2) No I.D. (feat. Westside Gunn) I know that man (feat. Earl Sweatshirt) Black box (feat. Kamasi Washington)
	Green Carnation A dark poem, part III: The messiah complex 📅 04.09.2026 💿 7/10	Unconditional artificial chemistry The messiah complex Broken souls, common enemies A dark poem – orchestral suite
	The Fourth Wall Memories of the future 📅 28.08.2026 💿 7/10	Zeno's paradox City lights receding Archive fever Tomorrow my love Kármán line Before I lose the feeling For no one's eyes Future memory
	Culk Smogstar 📅 04.09.2026 💿 7/10	Kaputte Speaker 7. Stock Im Strom Twenty, eighteen Weiß nur wer ich nicht bin Willkommen in der Stadt Siren Die Welt in Kreisen Nordwind Das Schillern
	Jorja Smith What are the odds 📅 21.08.2026 💿 7/10	For life What are the odds What's done is done This city (feat. Devlin) Pretend The way it was I lied, you lied Dancing Alive (feat. Wizkid) Young heart Make it your home When it gets like that
	Rika Bender Blut & Beton 📅 28.08.2026 💿 7/10	Schuss ins Herz Kreis Zerbricht Vergessen Morgenrot Schwindelfrei Blut & Beton Zu hell Kreis (Leland P. Remix)
	Arab Strap Half-told tales 📅 04.09.2026 💿 7/10	I get noise You you you Be a man Fighting for you Glamour magick Gape Under offer Basic physics Sunsong Dollar park Mr. Splitfoot Ampersand Fragments Beats per minute
	Dottie Andersson Andersson funeral home 📅 04.09.2026 💿 7/10	Andersson's sermon I love being sad Wash my hair Wind that makes the subway sound Only metaphorically Marlow first Who wants to love me Ipecac Skrattar när det åskar Scandi underground Andersson's hmyn
	Airbourne Airbourne 📅 04.09.2026 💿 7/10	Gutsy Alive after death (Last plane out) Here she comes Kid in a candy store Sky high Who put the rhythm in you? Christmas bonus Last man standing Rock'n'roll ya Bogotá Hell's got no vacancy Send me to rock'n'roll heaven
	Paris Paloma The fatal flaw 📅 04.09.2026 💿 7/10	Miyazaki Rothko Stem the flow The bleeding part of me Get her the fucking flowers Pre-Raphaelite Good girl Pyrrhus (You go where I cannot) Silhouette on the hill Good boy Beautiful birds I cry in front of paintings
	Jolle Sunny side up/:down 📅 04.09.2026 💿 6/10	Alle Märchen sind gelogen Tief Träumer Gewinner Anruf in Abwesenheit Plusminus Zinnsoldaten Fingergun Danke für nichts Frei 50 Stufen Grau 6 Fuß unterm Beet
	The Warning Everything's falling 📅 28.08.2026 💿 6/10	Ritual Perfect daughter Everything's falling Why do you like it when I cry Bite my tongue Kill or be killed Ego Bloodsport Break Bruises Waste your time on me Kerosene
	Kasabian Act III 📅 04.09.2026 💿 5/10	Quiet on set please 1m9 Soulmate Hippie sunshine Superpowers Great pretender Nothing better than this Mind palace 2m7 Silver apple eyes The guru and the crypto time machine NPC 3m12 Glide Hyper//Rising Say you (closer)
	Sam Smith Hazel eyes 📅 21.08.2026 💿 5/10	Everlasting love Hazel eyes Moondance (feat. Feist) My guy When he's gone Thief Love is a stillness Sugar rush Oh mother (feat. The TwoCityChorus) Constant companion Hold on To be free
	Natalie Imbruglia Algorithm 📅 04.09.2026 💿 3/10	Debbie Upside down Catastrophe Algorithm (Interlude) Algorithm Sounds like it feels Jesus on Mars Who dimmed the lights Endgame Just drive Breathe with the fire Lola Beautiful love

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